Bruce Liu | News | Interview: Bruce Liu spricht über "Waves", sein erstes Studioalbum bei DG - 3.11.2023 (VÖ) (DE/EN)

Please scroll down for English version

Gewinnt man den Internationalen Chopin-Klavierwettbewerb, wie es Bruce Liu 2021 gelang, klingen Konzerteinladungen hernach ziemlich gleich: »Oh, wir würden uns freuen, wenn Sie Chopin spielen!« Seit seinem Triumph in Warschau hat Bruce Liu sehr viel Chopin gespielt (und sich so ein Plätzchen neben Maurizio Pollini, Martha Argerich, Krystian Zimerman und Seong-Jin Cho gesichert, um nur vier seiner DG-Kollegen zu nennen).

Für sein erstes Studioalbum jedoch nimmt er Abstand von Chopin, gleichwohl keinen großen, sein Programm konzentriert sich auf drei Komponisten aus drei aufeinanderfolgenden Jahrhunderten – Rameau, Alkan und Ravel –, und sie alle stammen aus Frankreich, dem Land, in dem Chopin die letzten 18 Jahre seines Lebens verbrachte (und in dem Liu übrigens geboren wurde).

»Meine Ausgangsidee bestand darin«, erklärt Liu, »die Zeit vom Barock über die Spätromantik bis zum Impressionismus historisch zu erkunden. Damit gebe ich einen tieferen Einblick in die französische Musikgeschichte als üblich, denn das französische Barock wird von Pianisten oft vernachlässigt – meist denken wir nur an Bach und Scarlatti.«

 

Die Werke von Rameau – fast alle aus seinen Pièces de clavessin (1724) und Nouvelles suites de pièces de clavecin (1726/27) – wurden ursprünglich für Cembalo geschrieben, aber in den letzten zehn Jahren hat sich eine wachsende Zahl von Pianist:innen mit der Musik des französischen Barock beschäftigt und ein interessiertes und auch begeistertes Publikum gefunden.

»Eine Möglichkeit bestünde darin, Cembalo zu lernen, aber das habe ich nicht getan«, entgegnet Liu auf die Frage, wie man seine Vortragsart musikalisch anpasst. »Ich habe jedoch Unterricht bei einigen Cembalisten genommen und mir viele Aufnahmen von Interpret:innen wie Wanda Landowska angehört. Das hat meine Art, Rameaus Stücke auf dem Klavier zu spielen, radikal verändert. Es ist eine echte Herausforderung, die Stimmführung klar wiederzugeben, wenn es keine Dynamikwechsel gibt! Auch wenn das Klavier zahlreiche technische Möglichkeiten zum Verändern der Dynamik bietet, kann man vom Cembalo lernen, insbesondere in Bezug auf das Timing für den Vortrag am Klavier.«

 

Die Musik von Charles-Valentin Alkan ist nach wie vor ein Nischenrepertoire, von manchen geliebt und meist von Künstler:innen gespielt, die extreme technische Herausforderungen inspirieren. Liu stieß auf sie als Student:

»Beim Rumstöbern auf iTunes, meine ich. Es lassen sich immer noch viele unbekannte Komponist:innen entdecken, die uns wahre Meisterwerke hinterlassen haben. Ich war absolut fasziniert von Stücken wie Alkans 20-minütigen Etüden oder von Werken, die sich ›Symphonie‹ oder ›Konzert‹ nennen – und dann gibt es kein Orchester! Das fand ich wirklich bemerkenswert.«

Zwei ganz unterschiedliche Seiten von Alkan stellt Liu uns vor: die geradezu beängstigend virtuose Etüde Le festin d’Ésope und die Barcarolle, eine viel sanftere Schöpfung, wenngleich harmonisch äußerst anspruchsvoll. Sie passt zum Thema des Albums: die Natur, hier das Wasser, auf dem ein Boot schaukelt.

 

Mit Ravels Klavierzyklus Miroirs betritt der Pianist vertrauteres Terrain.

»Ich habe ›Alborada del gracioso‹ (Morgenlied des Narren), schon oft gespielt. Mit diesem Stück fühlte ich mich auf Wettbewerben immer sehr sicher, ich konnte es stets bedenkenlos vortragen. Aber es ist etwas ganz anderes, den ganzen Zyklus zu spielen, und bei dieser Aufnahme konnte ich mich wirklich jedem Takt, jedem Detail, jedem Satz eingehend widmen und allem den letzten Schliff geben.«

 

Das Programm lädt die Hörer:innen ein, den Pianisten auf eine Reise zu begleiten …

»Ja, das stimmt wohl. Wir beginnen bei Rameau und kehren zu Rameau zurück, es schwingt also ein wenig mit, dass man mit seinen Wurzeln verbunden bleibt, als schließe sich der Kreis. Und so ist es doch auch ein Stück weit in jedermanns Leben – von der Kindheit bis ins hohe Alter, man bleibt sich irgendwie treu, vom Anfang bis zum Ende. Mir kommt es oft so vor, als seien alte Menschen näher an ihrer Kindheit, das Leben ist offenbar ein Kreis. Erst hat es mich nicht überzeugt, mit Rameaus Gavotte zu beginnen, aber dann wurde mir klar, dass sie im Grunde wie eine Wiedergeburt wirkt, wie eine Renaissance, und am Ende sind es Variationen, es geht also ständig weiter und wird immer lebendiger. Genau richtig für den Anfang und um die Aufmerksamkeit der Leute auf Anhieb zu fesseln, plötzlich hat mir das eingeleuchtet. Von dort aus kann man in andere Welten gehen, wie Alkan oder Ravel, bevor man zu Rameau zurückkehrt.«

Und Variationen – als Form – sind auf dem Album mehr als einmal zu finden (so wie Chopins Là ci darem la mano-Variationen auf Lius erstem Livealbum erschien).

»Ich liebe Variationen, wahrscheinlich weil sich darin meine spontane Seite oder meine Freiheitsliebe in der Musik zeigen darf. In der Variation als Form ist weniger vorgeschrieben, im Hinblick auf einen konkreten Stil oder eine konkrete Struktur, insbesondere bei Alkan: Einerseits kommt das Stück als Übung daher – es ist ja auch eine Etüde –, andererseits ist es unwahrscheinlich abwechslungsreich. Jede Variation hat einen anderen Charakter. Das erinnert an Schumanns Eusebius. Da sind diese Charaktere und man denkt gar nicht mehr über die Technik nach, sondern ist ganz bei diesem Leben im Stück, weil es einem so plastisch vor Augen steht.«

 

Für einen Pianisten, dessen Interpretation sich aus dem Moment ergibt, muss die erste Studioaufnahme durchaus ein Angang gewesen sein.

»Studioaufnahmen sind ein sehr kontrovers diskutiertes Thema: Viele Leute mögen das Setting im Studio nicht, andere wiederum blühen dort regelrecht auf. Ich denke aber, dass Aufnahmen eine Chance bieten, etwas anderes als bei einem Liveauftritt zu machen. Im Studio kann man wirklich sein eigenes Puzzle zusammenbasteln. Man erschafft ein Kunstwerk, indem man alle Teile passend zusammenfügt – und dazu gehört insbesondere, einen spezifischen Klang zu erzeugen.«

 

Und der richtige Klang erscheint fast als größte Herausforderung – nicht nur das gesamte Klangbild, vielmehr der Klang für jeden einzelnen Komponisten.

»Rameaus Klang«, sagt Liu, »klingt viel trockener, direkter und gewissermaßen ›federnder‹ als der von Ravel, der viel stimmungsvoller und nebelverhangener ist, während der von Alkan eine Mischung aus beiden darstellt. Michel Brandjes, der Klaviertechniker, hat einen großartigen Job gemacht. Wir haben vermutlich ebenso viel Zeit damit verbracht, die verschiedenen Klangbilder richtig hinzubekommen, wie ich für die eigentliche Aufnahme!«

 

Und der Titel, Waves?

»Das Meer ist nie gleich. Und meine Herangehensweise an die Musik, die ich spiele, ist nie festgelegt. Ich folge in meiner Interpretation keinem starren Konzept, es gibt immer ein gewisses Maß an Improvisation. Ob auf der Bühne oder selbst im Studio, ständig kommt mir anderes in den Sinn, wie ich etwas spielen könnte. Der Titel Waves erinnert mich übrigens an einen meiner Lieblingssprüche von Bruce Lee: ›Leere deinen Geist, sei formlos. Formlos wie Wasser. Wenn du Wasser in einen Becher gießt, wird es zum Becher. Wenn du Wasser in eine Flasche gibst, wird es zur Flasche … Sei Wasser, mein Freund.‹«

 

 

If you win a competition as tightly linked to a particular composer as the International Chopin Piano Competition, as Bruce Liu did in 2021, there’s an inevitability that invitations will come with the words, “Oh, we’d love you to play Chopin!” And Bruce has performed a lot of Chopin since that triumph in Warsaw (which added him to a roster that includes Maurizio Pollini, Martha Argerich, Krystian Zimerman and Seong-Jin Cho, to single out just four of his fellow Yellow Label pianists).

So, for his first studio album, he decided to step away from Chopin, but not too far, as his programme focuses on three composers from successive centuries – Rameau, Alkan and Ravel – who all hailed from France, the country that Chopin made his home for the last 18 years of his life (and in which, incidentally, Bruce was born).

“The initial idea was to offer a historical approach,” Bruce explains, “going from Baroque to Late-Romantic to Impressionist. And that’s actually a longer view of French musical history than we usually get, because the French Baroque is quite neglected by pianists – we tend to think only about Bach and Scarlatti.”

 

Obviously, the Rameau works – nearly all from his Pièces de clavessin (1724) and Nouvelles suites de pièces de clavecin (1726/27) – were written for the harpsichord, though the last decade or so has seen a growing number of pianists exploring music of the French Baroque, and finding receptive and enthusiastic audiences for it.

“I suppose one way would actually be to learn to play the harpsichord,” Bruce counters when asked about that act of musical assimilation. “But I didn’t do that! I did, though, have lessons with some harpsichord players, and listened to a lot of recordings by people like Wanda Landowska. That really altered my approach to playing Rameau on the piano, because when there’s no dynamic change and you still have to make the voicing sound, it’s quite a challenge! Even though you’re playing a piano with all the various mechanisms for changing dynamics and so on, you can learn from the harpsichord, especially about the timing of the interpretation that you can get from the piano perspective.”

 

The music of Charles-Valentin Alkan still occupies a slightly specialist area of the piano repertoire, loved by aficionados and usually played by artists for whom extreme technical challenges prove inspiring. Bruce discovered Alkan’s music as a student:

“I think I came across Alkan’s music when I was searching through iTunes. There’s still a lot of composers that we don’t know who have given us such incredible masterpieces. I was amazed at things like his 20-minute études, or pieces called Symphony or Concerto with no orchestra in sight! It really astonished me!”

So, Bruce gives us two very different sides of Alkan, the fearsomely challenging étude Le festin d’Ésope, and the Barcarolle, a much gentler creation – though harmonically quite daring – chiming with the album’s theme of natural phenomena, here a boat rocking on the water.

 

The Ravel, his suite Miroirs, finds the pianist on more familiar ground.

“I’ve played ‘Alborada del gracioso’ a lot. It’s the competition piece that’s always felt safe to me, that I could play very confidently. But playing the whole set brings a completely different perspective – and in this recording I was really able to search every bar, every detail, every sentence, and to bring real refinement.”

 

The actual programming itself seems to invite listeners to accompany the pianist on a journey…

“Yes, I think so. We start with Rameau and we finish with Rameau, so there’s always a little bit of a feeling of going back to the roots, or that we’ve gone full-circle. And that’s a bit like everybody’s life – from childhood to old age and there’s a kind of similarity from the beginning to the end. I always feel that old people somehow are closer to childhood, so life is like a circle. At first I was not entirely convinced about starting with the Rameau Gavotte, but then I realised that, in a way, it has a ‘reborn’ feeling, it’s like a renaissance, and at the end it’s variations, so it’s constantly going on and getting more and more active. So I realised that it’s a great piece to start and to immediately captivate people’s attention. And from there you can go into other worlds, like Alkan and Ravel, before returning to Rameau.”

 

And variations, as a form, makes more than one appearance on the album (just as Chopin’s Là ci darem la mano Variations appeared on Bruce’s first, live album).

“I love variations because this is probably when my spontaneous side, or my love of freedom within music, comes out. In variation form, there are fewer restrictions about being stuck in a certain style or structure. And that’s especially true of the Alkan: on the one hand it feels very much like an exercise – it’s an étude of course – but there’s so much variety in it too. In every variation we have a different character. It’s even a little bit like Schumann’s Eusebius. There are some characters and somehow you no longer think about technique and rather focus on the vivid life within the piece.”

 

For a pianist whose playing lives in the moment, the novelty of a studio recording must have set him thinking hard.

“It’s a very controversial subject, because a lot of people don’t like the studio set-up, but then again some people really come alive in the studio. Personally, I think a recording offers a chance to do something different from your live performances. For me, it’s in a studio that you can really make your own puzzle. It’s like making a piece of art, putting everything together – and getting a very specific sound is a major part of it.”

 

And getting the sound correct was almost the biggest challenge – and not just an overall sound picture, but a different sound for each of the three composers.

“There’s one sound for Rameau,” Bruce explains, “which is much drier, more direct and ‘bouncy’ in a way, whereas the Ravel is much more moody and foggy, while the Alkan is a mix between the two. The piano technician, Michel Brandjes, did such a great job. We probably spent as much time getting the different sound pictures right as I did actually recording!”

 

And the title, Waves?

“The sea is always changing, and my approach to the music I play is never fixed. I always feel there’s an element of improvisation in the way I approach music in general. Every time I play on stage, or even in the studio, I’m always changing my mind about the way to play. And the title also reminds me of one of my favourite Bruce Lee quotes: ‘Empty your mind, be formless. Shapeless, like water. If you put water into a cup, it becomes the cup. You put water into a bottle and it becomes the bottle… Be water, my friend.’”